Дикой гроза нам в наказание

Вариант 7 : 25.02.2012 : 21.38 Смысл заглавия пьесы А. Н. Островского «Гроза»

«Эко, братец ты мой, точно клубком туча-то вьется, ровно что в ней там живое ворочается. А так на нас и ползет, так и ползет, как живая- так Кулигин говорит о грозе, надвигающейся на город Калинов. Гроза дважды собирается над Калиновым, вызывая разные чувства у героев. Жители города боятся ее, прячутся, так как считают, что, гроза «в наказание посылается. Катерина, главная героиня пьесы, тоже боится ее, но это не страх смерти. Она так объясняет свой страх: «Как, девушка, не бояться! Всякий должен бояться. Не то страшно, что убьет тебя, а то, что смерть тебя вдруг застанет, как ты есть, со всеми твоими грехами, со всеми помыслами. Мне умереть не страшно, а как я подумаю, что вот вдруг я явлюсь перед богом такая, какая я здесь с тобой, после этого разговору-то, вот что страшно. Что у меня на уме-то! Какой грех-то!Страх Катерины обусловлен религиозным воспитанием и сознанием своей греховности, ведь она полюбила Бориса.

Лишь Кулигин воспринимает грозу как «благодать: «Ну чего вы боитесь, скажите на милость! Каждая теперь травка, каждый цветок радуется, а мы прячемся, боимся, точно напасти какой! Гроза убьет! Не гроза это, а благодать! У вас все гроза!Это и неудивительно. Почему Кулигин не боится грозы, понятно: ведь он., механик-самоучка, понимает физическую природу этого явления. Более того, он пытается обезопасить город, избавить жителей от этого вечного страха смерти от грозы — построить громоотвод. Но Дикой на это предложение самоуверенно отвечает: «Какое там елестричество! Ну какой же ты не разбойник! Гроза нам в наказание посылается, чтобы мы чувствовали, а ты хочешь шестами да рожнами какими-то, прости господи, обороняться.

Но было бы неправильным считать, что лишь природное явление имел в виду автор, вынося слово «грозав название пьесы. Ведь в речи Тихона оно тоже встречается. Он перед отъездом говорит Катерине: «Да как знаю я теперича, что недели две никакой грозы надо мной не будет, кандалов этих на ногах нет, так до жены ли мне?Что же следует понимать под словом «гроза? Тихон подразумевает круглосуточную материнскую опеку, попреки, поучения, которые задавили в нем личность, мужчину. Ведь в доме Кабанихи даже дышать свободно невозможно. И такая обстановка царит не только в этой семье. Вот как Кулигин характеризует обстановку в купеческих семьях этого города: «Жестокие нравы, сударь, в нашем городе, жестокие! В мещанстве, сударь, вы ничего, кроме грубости да бедности нагольной, не увидите.

Слово «грозаимеет символичное значение. Это и гроза в душе Катерины, и социальное потрясение. Ведь ее самоубийство прогремело над городом как грозное потрясение, всколыхнуло это показное спокойствие и наигранное благочиние.

Основная тема пьесы — столкновение между старыми традициями и новыми веяниями, стремлениями к свободе, проявлению человеческих прав. А конфликт предполагает потрясение.

Покончив жизнь самоубийством, Катерина заявила о своем праве на любовь, независимость. Ведь Кабаниха, Дикой и им подобные больше всего боятся перемен в жизни, то есть боятся потерять власть над людьми, морально или материально зависящими от них. А как раз это и происходит. Но как бы им ни хотелось жить по-старому, устои крепостничества трещат, начинается период общественного подъема. А. Н. Островский отразил в драме подъем общественного движения, те настроения, которыми жили передовые люди эпохи 50-60 годов.

Убегает из материнского дома Варвара, вырывается из «темного царстваКатерина, и даже Тихон, безответный, не имеющий собственного мнения, не смеющий перечить матери, в финале пьесы бросает Кабановой в лицо: «Маменька, вы ее погубили! Вы, вы, вы.

И хотя пьеса заканчивается смертью главной героини, у нас, читателей, не остается тягостного впечатления, как после грозы, когда воздух становится чище, свежее.

www.rlspace.com

Наше столетие наступило совсем недавно, и поэтому сказать, кто именно выдающиеся личности России 21 века, мы пока не можем. Однако анализ прошлого даст нам возможность понять, чего же истинно великого мы можем ждать от славянской крови. Ведь, как известно, кто знает минувшее, знает и будущее.

Поэты, музыканты, политические деятели, писатели, ученые и художники – все это выдающиеся личности России. Список, пусть и краткий, разбитый по роду деятельности, приведен ниже.

С него и начинаются выдающиеся личности в истории России, которые упоминаются в нашей статье. Великий князь Новгородский и гениальный полководец, сумевший победить шведов и тевтонов и заложивший фундамент для существования России в своей исторической и культурной традиции.

Жестокий Московский князь, который, благодаря своей непомерной силе воле и жажде власти, создал Российское царство, став первым царем Всея Руси. Своей кровожадностью известен во всем мире. Однако нельзя переоценить то, насколько он видоизменил и реформировал Россию, создав из нее единое и цельное государство, с которым приходилось считаться каждому соседу.

Реформатор и новатор, пытавшийся сделать Россию истинно европейским государством. Первый Император России, ставший таковым благодаря значительному расширению страны за счет Прибалтики. Основатель Петербурга и создатель военного флота.

Значительно расширила границы Российской Империи. Сделала дворянство наиболее привилегированным и важным классом. Покровительница науки и искусств, «русский просветитель», сумевшая провести наиболее глубинные и важные реформы после Петра Первого.

Вождь Октябрьской революции, один из важнейших теоретиков коммунизма. Создатель и вдохновитель первого социалистического государства – СССР. Умер, так и не дождавшись плодов своей борьбы.

Выдающиеся личности России 19 века среди драматургов вряд ли когда-либо сформировались бы без наследия этого автора. «Русский Ибсен», автор пьес «Бесприданница», «Гроза», «Свои люди – сочтемся». Первый российский драматург, начавший вкладывать глубокий психологический подтекст в реплики персонажей.

Драматург и писатель. Известен пьесами «Ревизор», «Женитьба», а также прозой – «Вий», «Шинель» и пр. Своеобразный родоначальник жанра «ужасов». Главная тема творчества – маленький человек и несправедливость мира по отношению к нему.

Автор романов «Идиот», «Преступление и наказание», «Братья Карамазовы». Глубокий психолог, навсегда изменивший традицию описания внутренней жизни персонажа. За мрачными фасадами Петербурга и хмурыми тучами всегда пытался оставить читателю надежду. Активно исследовал в своих произведениях взаимоотношения человека и Бога.

Автор, подаривший миру «Войну и мир» и «Анну Каренину». Писатель истинно русской души. Пацифист, всю жизнь активно выступавший против войны, что отразилось на его произведениях. Считал, что важнейшее условие счастья — единение человека с природой.

Анекдотист, вынужденный писать забавные рассказы, чтобы прокормить семью и получавший за это какие-то мелкие монеты. Выдающиеся личности России невозможны без этого самобытного «Человека без селезенки». Рос прямо на глазах у своего читателя, совершенствуясь и постепенно создавая важнейшие произведения для всей мировой литературы – рассказы «Тиф» и «Враги», пьесы «Чайка» и «Три сестры».

Антон Чехов — первый литератор, который осмелился заявить, что все человеческие проблемы от одного – бесконечной людской глупости.

Величайший русский поэт, автор множества стихов и поэм, в том числе романа в стихах «Евгений Онегин». Когда за рубежом говорят «выдающиеся личности России», скорее всего, сразу называют Пушкина. Фактически создатель классической русской поэзии, гений золотого века русского стихотворения. В своих стихах успел поднять всевозможные темы – от социальной несправедливости до тонких любовных чувств.

Автор поэмы «Герой нашего времени» и огромной вереницы разнообразных стихотворений. Воевал на Кавказе, от чего тот стал почти полноправным персонажем его произведений. Задавался вопросами необходимости войны и отчужденности человека.

Создатель футуризма в культурном пространстве России. Свои стихи писал в особой ступенчатой форме. Ярый коммунист, считается одним из рупоров революции. До конца своей жизни отстаивал истинные идеалы революции. Один из главных поэтов Серебряного Века.

Современник Маяковского и полная его противоположность как автора. Тонкий и душевный лирик, который при этом умудрялся оставаться вечным хулиганом и подростком. Поднимал темы борьбы личности с окружением, любви к природе и, конечно, к женщине.

Бард, автор множества песен и стихов. Величайший поэт Бронзового Века. Его хриплый голос будто подвел голос под наследием, которое оставили ему все выдающиеся личности России 20 века. Подымал темы внутренней и внешней борьбы человека, его места в обществе и в мире вообще. Тонкий сатирик.

Также поэт, самостоятельно исполнявший свои стихотворения в виде песен. Трогательный и честный, он писал стихи, наполненные какой-то космической задумчивостью. Часто использовал метафоры, создавая с помощью них глубокие образы. Его песни имели притчевую форму, что однажды даже было (добродушно) спародировано Высоцким.

Благодаря ему выдающиеся личности России стали появляться и в кинематографе. Первооткрыватель «эффекта Кулешова» — «два самостоятельных по смыслу кадра, склеенные вместе, создают новый смысл». Фактически основоположник монтажного рассказа.

Автор культового «Броненосца Потемкина», который до сих пор смотрится на одном дыхании. Теоретик кино и создатель динамичного монтажа.

Первый, кто в России использовал цвет в кино – красный флаг во все том же «Броненосце Потемкине».

Режиссер документальных («Обыкновенный фашизм») и игровых («Девять дней одного года») фильмов. Один из важнейших теоретиков кино середины XX века. Преподаватель ВГИКа и автор множества научных работ.

Человек, умудряющийся снимать в СССР истинный арт-хаус. Его ленты наполнены личностными смыслами, полными метафор и тонких намеков. Снял «Солярис» и «Сталкер», чаще всего делая свои произведения этакими притчами-аллегориями.

Современные выдающиеся личности России среди художников были бы невозможны без человека, заложившего фундамент русской живописи.

Автор многочисленных икон, Андрей Рублев всю свою жизнь посвятил этому сложному искусству. Сейчас его произведения хранятся уже не только в церквях, но и в различных галереях, как образцы и идеалы иконописи.

Автор множества картин и абсолютный трудоголик. Из-под его кисти вышли такие вещи, как «Не ждали», «Приплыли» и «Иван Грозный убивает своего сына». Мастер ситуационных, «сюжетных» картин.

Каждое его полотно – будто фотография, сделанная во время кульминации события, которое он пытался запечатлеть. Его картины бесконечно живые и не всегда могут открывать свой истинный смысл с первого взгляда. Главное в Репине – это эмоции персонажей и детали.

Великий модернист, известен как автор ставшего уже нарицательным «Черного квадрата». Был занят поиском новых форм и способов выражения цвета в живописи. Его картины полны абстракций и геометрических фигур, попыток изобрести нечто новое в своем искусстве. Старался найти в картинах «абсолютный покой».

Один из первых российских профессиональных композиторов, Чайковский сделал из музыки истинное ремесло (в хорошем смысле этого слова). Он был человеком, который просто не мог не писать музыку.

Крайне разнообразные поднятые темы во всех возможных жанрах делают из Петра Ильича композитора, способного достучаться до сердца каждого человека. Самые известные его произведения – балеты «Щелкунчик» и «Лебединое озеро».

Наиболее известный автор опер среди российских композиторов. Основные темы, с которыми работал Николай Андреевич – история и сказка («Три чуда», «Снегурочка»).

Считал, что главная цель музыки – это единение слушателя с истинной природой мира, которую можно выразить только в подобной, мелодичной, форме.

Композитор со сложной судьбой, вначале творивший в стиле модернизма и активно экспериментировавший во всех жанрах. Однако «Леди Макбет Мценского уезда» не понравилась лично Сталину, и затем последовали жестокие репрессии.

Чтобы спасти себя и семью, Шостаковичу пришлось творить в сугубо «государственном» ключе. Однако его музыка и правда доказывает, что даже простой слушатель слышит подтекст, вкладываемый композитором. Множество тонких настроений и смыслов, которые он вкладывал в симфонии №5 и №7, понял тогда каждый.

Первый русский энциклопедист, «человек всех наук». Вывел российские исследования на уровень Европы. Сделал множество открытий почти в каждой современной для него науке.

Будучи академиком и одним из наиболее активных личностей своего времени, он являлся иконой для российского Просвещения.

Уже ставший легендарным российский химик, сумевший создать периодическую систему химических элементов, чем значительно подтолкнул мировую науку вперед. Существование подобной таблицы ясно доказывает гармонию природы и ее четкую систему.

Одно из величайших открытий в истории человечества, на котором, по сути, держится вся современная естественная наука, принадлежит именно ему. Работал и в других науках, где также совершал разнообразные открытия.

Первый Нобелевский лауреат от России. Павлов сделал важнейшее открытие в биологии и физиологии – именно он выяснил присутствие рефлексов в теле живых существ. И именно этот российский ученый разделил их на условные и безусловные.

Этому открытию Павлов посвятил всю свою жизнь и даже умирая, продолжал диктовать ученикам свои чувства – чтобы наука смогла лучше узнать состояние смерти.

Легендарный русский борец, «богатырь XX века». За десять лет не проиграл ни разу. Пять раз становился чемпионом по борьбе.

Шахматист, имеющий множество наград, «Шахматные Оскары» и звание чемпиона мира. Прославился крайне успешным комбинированием различных тактик и стратегий и умением выйти из, казалось бы, полностью проваленной партии победителем.

«Дебюты Каспарова» — так сейчас называются неожиданные и нестандартные ходы в начале партии.

Советский вратарь, славившийся своей абсолютной «непробиваемостью». Считается лучшим голкипером XX века. Неоднократно признавался лучшим вратарем СССР. Обладатель «Золотого мяча».

Как мы видим, выдающиеся личности в истории России стали крайне значимыми для всего человечества. Чехова можно спокойно назвать лучшим драматургом мира, а Менделеева – величайшим химиком. Все эти люди важны не только для России, но и для каждой области, в которой они прославились.

Остается надеяться, что выдающиеся личности России 21 века будут, так же, как и их предшественники, значить что-то для всего мира, а не только для своей Родины.

fb.ru

Здесь собрана самая большая коллекция аргументов к проблемам для сочинений по русскому языку. На 5-ege.ru есть еще одна страница с аргументами, если этой будет недостаточно: аргументы для сочинения. Для поиска по странице нажмите Ctrl+F.

вложила во внука Витьку глубокие человеческие премудрости, стала для него символом любви, добра, уважения к человеку.

«Во дни сомнений, во дни тягостных раздумий о судьбах моей родины, — ты один мне поддержка и опора, о великий,
могучий, правдивый и свободный русский язык!» (И.С. Тургенев)

«.. .Вольно или невольно мы подошли сегодня к черте, когда слово становится не частью жизни, одной из многих частей, а последней надеждой на наше национальное существование в мире.»

«Употреблять иностранное слово, когда есть ему равносильное русское, — значит оскорблять и здравый смысл, и здравый вкус.» (В. Белинский)

«Нравственность человека видна в его отношении к слову.» (Л.Н. Толстой)

о бережном отношении к великому нашему наследию —
русскому языку.

А.П. Чехов: «Шампанское — это блестящая кокотка, мешающая прелесть свою с ложью и наглостью Гоморры, это позлащенный гроб, полный костей мертвых и всякой нечистоты. Человек пьет его только в часы скорби, печали и оптического обмана».

Л.Н. Толстой: «Сказать, что вино вкусно — нельзя,
потому что каждый знает, что вино и пиво, если они не подслащены, кажутся неприятными для тех, кто их пьет первый раз. К вину приучаются, как и другому яду — табаку, — понемногу, и нравится вино только после того, как человек привыкнет к тому опьянению, которое оно производит. Сказать, что вино полезно для здоровья — тоже никак нельзя теперь, когда многие доктора,
занимаясь этим делом, признали что ни водка, ни вино, ни пиво не могут быть здоровы, потому что питательности в них нет, а есть только яд, который вреден».

самоотверженности, к принесению себя в жертву ради другого человека

человечность — это стремление преодолеть национальные и идеологические барьеры.

В детском приемнике были собраны дети разных национальностей: татарин Муса, ногаец Балбек, немка Лида Гросс. Жили армяне, казахи, евреи, молдаване и два болгарина. Для них не существовало понятия национальной неприязни: дети дружили, оберегали друг друга.- Воспитательница Регина Петровна утверждала: «Плохих народов не бывает. Бывают лишь плохие люди».

Одиннадцатилетний Колька, несмотря на пережитый ужас, не озверел, а старался понять, почему чеченцы убили его брата.
Он размышлял как истинный интернационалист: разве нельзя сделать, чтобы никто никому не мешал, никто никого не убивал, чтобы все люди жили дружно, одной семьей.

«Я пробыл пятнадцать дней дома. И это равно пятнадцати годам жизни… Долгие дни, мудрые, счастливые. Пойти на Вихляевскую гору и сидеть, глядеть, думать. Как травы растут. Как облака плывут. Как живет озеро. Вот она, жизнь человеческая. Работать в огороде,
плетень плести во дворе. И жить. Слушать ласточек, ветер. Солнце для тебя встает, роса падает, дождь — все доброе, сладкое. Зарабатывать на хлеб чем-нибудь и жить. Жить долго и мудро, чтобы потом, на самом краю, не проклинать себя, не скрипеть зубами»

Антиперегрузочный гидравлический бак (спасение от перегрузок в космосе)

Одновременная запись и просмотр новостей, ТВ-программ, что лежит в основе пишущих DVD -проигрывателей

Эскалаторы. Электростанции.
Телевидение и книги заменены видео- и аудиозаписями. Появление авиалайнеров.

Бим встречает разных людей – добрых, злых, равнодушных. Такие, как Толик, Матрёна, Даша помогают собаке. Есть среди людей и такие, которые предают, травят, убивают. Из-за людской злобы страдает Бим.

Иван Иванович воспитал в Биме доброту и веру в человека. Когда хозяина забрали в больницу, собака верно ждала его. Эти двое чувствовали ответственность друг за друга, потому что были «приручены». Помня отношение к себе хозяина, Бим доверчиво идёт к людям, когда Ивана Ивановича забирают в больницу.

Нравственные уроки повести: не быть жестокими к людям, к животным и растениям – ко всему живому на земле; защищать своё человеческое достоинство, не позволять его топтать никому и никогда; нужно учиться разбираться в людях, потому что разочарование больно ранит душу.

Лена Бессольцева в нелёгких испытаниях, выпавших на её отроческие годы, всё время рядом с собой видела деда, чувствовала силу его характера, опиралась на его плечо. Николай Николаевич помог ей выстоять и не сломаться. Лена оценила это. Да, стариков нужно беречь, прислушиваться к их советам, ценить их опыт и готовность разделить беду близкого человека. В этом урок всем нам.

Тема жестокости подростков по отношению к своему ровеснику, не похожему на всех остальных. Лена Бессольцева стала объектом насмешек в классе. Ей одноклассники устроили бойкот, а затем совершили страшное деяние: сожгли на костре чучело, изображавшее девочку. Железная Кнопка, Рыжий, Лохматый и другие ровесники Лены, устроившие трудные испытания девочке, думаю, получили урок на всю жизнь.

Героиня повести говорит своим одноклассникам: «Честно говоря, жалко мне вас. Бедные вы, бедные люди». Что имела в виду Лена Бессольцева и права ли она? Да, права: её ровесники бедны не только по образу жизни ( отсутствие интересов, пустое времяпрепровождение, примитивные развлечения), но и по душевным своим качествам (грубые, равнодушные к чужой беде, завистливые, жестокие).

Этот рассказ о цветке, который вырос среди камней и глины. Он много трудился, преодолел массу препятствий, чтобы засветиться живым огнём. Цветок очень хотел жить. Нужна была большая сила воли, неустанное упрямство, чтобы выжить.

А. Платонов в своей сказке утверждает, что надо много трудиться, чтобы жить и не умереть, чтобы светить ярким огнём другим и звать к себе безмолвным голосом радости жизни.

«Право же, взрослые – очень странные люди», – вслед за Маленьким принцем можем повторить мы. Часто взрослые совсем не понимают своих детей,. Неужели они сами не были маленькими? Почему они не всегда отвечают на детские вопросы, не выслушивают своего ребёнка?

Маленький принц жил одни на очень маленькой планете, на которой были только вулканы. Каждое утро герой чистил свои вулканы, пропалывал землю, чтобы не росли баобабы. А люди вместо того, чтобы поддерживать порядок на своей планете, возделывать свой сад, украшать свой дом, ведут войны, оскорбляют своей алчностью красоту жизни. Маленький принц утверждает, что необходимо наводить порядок на своей планете и трудиться каждый день.

Маленький принц отправляется странствовать. Он оказывается на планетах, где живут король и честолюбец, пьяница и деловой человек, фонарщик и географ. Герой не задерживается ни на одной из них, потому что видит пороки, но не понимает и не принимает их. Властолюбие и честолюбие, пьянство и жадность, фатализм и невежество – всё это мешает жить людям. Только на Земле, встретив змею, цветок и лиса, Маленький принц, познаёт мудрость: «Зорко одно лишь сердце». Герой возвращается на свою планету, к Розе, которую уже успел приручить.

Сказка эта учит нас быть « в ответе за тех, кого приручили», что лишь сердцем можно почувствовать любовь, что человеку грозит одиночество среди толпы, что тот, кто не имеет корней, обречён на одиночество.

Этот рассказ о доме, об одиночестве и о счастье. Все герои, кроме детей., бездомные и безродные. Им не хватает счастья. А оно так нужно всем, потому что жизнь даётся человеку для счастья. Садовник мечтает о том, как выкупит дом, в котором он родился. Лидия Павловна, сидя у моря, вспоминает, когда она была в последний раз безумно и просто счастлива. Но ведь счастье всегда рядом, нужно просто уметь найти его. К такому выводу подводит читателей автор.

.Идея рассказа – стремление к счастью, умение быть счастливым в мире под солнцем и луной с другими людьми, природой.

«Будь человеком, – говорит Паустовский. – За добро плати добром!» Нельзя забывать о самых близких, самых родных людях, которые нуждаются в вашем внимании, заботе, тепле, добром слове, а то может быть поздно. Так произошло с главной героиней рассказа Настей, которая из-за вечной суеты, отсутствия времени написать и приехать в течение трёх лет не видела матери. А Катерина Петровна ждала свою единственную дочь, но так и не дождалась. Проводили в последний путь односельчане старушку , а дочь на похороны опоздала, проплакала всю ночь и уехала рано из деревни ( стыдно было перед людьми). Не успела Настя попросить прощения у матери.

Рассказ о том, что человек должен свою судьбу строить сам, преодолевая трудности, а не пассивно ждать удачи, не превращаться в «игрушку» другого человека. Джон Ив в конце рассказа становится врачом. Он сумел сохранить своё достоинство и исполнил свою мечту. Да, человек не игрушка судьбы, а творец её, если у него есть желание и воля чего-то добиться, если он трудится и верит в себя и свои силы.

Рекомендуем сохранить ссылку на эту страницу. Скорее всего, она еще очень пригодится.

У многих учащихся вызывает затруднение формулирование проблемы. Посмотрев видео до конца, вы сможете избежать множества ошибок.

5-ege.ru

Опера Джузеппе Верди в трех действиях (часто даваемая в четырех действиях) на либретто (по-итальянски) Франческо Марии Пьяве, основанное на драме Виктора Гюго «Король забавляется».

ГЕРЦОГ МАНТУАНСКИЙ (тенор)
РИГОЛЕТТО, его шут (баритон)
ДЖИЛЬДА, дочь Риголетто (сопрано)
ДЖОВАННА, ее служанка (меццо-сопрано)
СПАРАФУЧИЛЕ, профессиональный убийца (бас)
МАДДАЛЕНА, его сестра (контральто)
ГРАФ МОНТЕРОНЕ (бас или баритон)

Время действия: XVI век.
Место действия: Мантуя.
Первое исполнение: Венеция, театр Ла Фениче, 11 марта 1851 года.

Теперь все так хорошо знают мелодии из «Риголетто», — «La donna е mobile» («Сердце красавицы»), квартет («Bella, figlia dell’amore» — «О, красотка молодая») и другие, — что трудно себе представить, что когда-то они считались опасными и чересчур вольными. Тем не менее самые первые читатели либретто, — а это были венецианские цензоры,- нашли его столь непристойным, что настояли на ряде весьма существенных изменений. А за несколько лет до того как была написана опера, пьеса, легшая в ее основу, была запрещена в Париже и снята после двух исполнений. И это несмотря на то, что автором ее был великий Виктор Гюго.

Этой пьесой была драма «Le roi s’amuse» («Король забавляется»), и главными персонажами в ней — исторические фигуры, король Франции Франциск I и его шут Трибуле. Сюжет ее, в основном, тот же, что и рассказанный в опере. Цензоров же, как в Париже, так и в Венеции, беспокоил тот нелестный облик, в котором представал реально существовавший французский король. Это было в 1832 году, когда в Европе отчетливо ощущались идеи романтизма и революции. Французские цензоры полагали, что представление такой пьесы на сцене может вдохновить народ на революционные действия. Либретто, которое читали венецианские цензоры, имело другое название — «La maledizione» («Проклятье»), но постыдным правителем в этом варианте оперы по-прежнему был все тот же Франциск I.

Верди пришлось столкнуться с теми же проблемами, когда он дал на чтение неаполитанским цензорам «Бал-маскарад». В случае с «Риголетто» изменения можно было сделать сравнительно легко. Место действия было перенесено в Италию; король был понижен в ранге и теперь стал герцогом, а его имя было изменено таким образом, что, если и не стало вымышленным, то, по крайней мере, не относилось к существовавшему герцогскому роду. Имя шута тоже было изменено на полностью вымышленное — Риголетто. По этому имени, которое, как полагают некоторые, должно «проглатываться столь же легко, как суп или свежий хлеб», была и названа опера.

Драма Гюго тоже вновь предстала на сцене уже в менее тревожное время под названием «Месть глупца». Она стала очень популярной благодаря, помимо прочего, замечательной игре Эдвина Бота, исполнившего в ней роль шута.

Сцена 1. Распутный герцог Мантуанский дает блестящий бал в своем дворце. Его отношение к женщинам выражается в фривольной арии «Questa o quella, per me pari sono» («Та иль эта — я не разбираю»). В какой-то момент он ненадолго покидает сцену, чтобы проводить жену одного из своих придворных. Внезапно общее веселье и танцевальная музыка прерываются грозным голосом. Это старый граф Монтероне, который явился сюда с проклятьем герцогу за поруганную честь своей дочери. В этот момент профессиональный шут герцога, горбун Риголетто, выходит вперед и зло насмехается над стариком. Монтероне сохраняет достоинство. И в тот момент, когда герцог приказывает заключить графа под стражу, Монтероне грозит герцогу страшным мщением и проклинает Риголетто. Это было проклятье, произнесенное оскорбленным отцом, и Риголетто, который сам отец и глубоко суеверный человек, в ужасе отворачивается.

Сцена 2. Под бременем ужасного проклятья Монтероне Риголетто возвращается домой. У самого своего дома он наталкивается на длинную, зловещего вида фигуру. Это Спарафучиле, наемный убийца. Как профессионал профессионалу Спарафучиле предлагает придворному шуту свои услуги в любой момент, когда ему понадобится. Пока этот страшный человек удаляется, бормоча на очень низкой ноте свое собственное имя — «Спарафучиле», — Риголетто восклицает: «Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale» («С ним мы равны: владею словом, а он кинжалом») и поет монолог — один из шедевров Верди, — проклиная свой облик, свою судьбу, свой характер. За этим следует продолжительный и очень красивый дуэт Риголетто с дочерью, юной Джильдой («Figlia. Mio padre. » — «Джильда. Мой отец. «). Для шута она все в жизни. После смерти жены у Риголетто больше нет никого на свете, и он страстно желает уберечь дочь от козней мира. Покидая дом, он отдает приказание служанке Джильды, Джованне, держать все двери на запоре.

Приказ Риголетто, однако, не выполняется. Не успел он покинуть свой дом, как герцог Мантуанский, переодевшись бедным студентом (но при этом бросив Джованне кошелек, дабы подкупить ее, чтобы она открыла ему дверь), проникает в сад. И вот он уже пылко объясняется Джильде в любви («E il sol dell’anima» — «Верь мне, любовь — это солнце и розы»). И когда, встревоженный каким-то шумом на улице, он удаляется, Джильда поет арию «Caro nome che il mio con» («Сердце радости полно»), полную экстатичной юной любви.

Шум на улице — это пришли придворные (они в масках), которые задумали похитить Джильду, полагая, что она любовница Риголетто, а не дочь его. Чтобы сделать шутку веселей, они призывают самого Риголетто помочь им, объясняя ему, что хотят похитить жену графа Чепрано, живущего поблизости: ему завязывают глаза и заставляют его, ничего не подозревающего, держать лестницу. Только после того как компания удалилась вместе с Джильдой, Риголетто разрывает повязку на глазах. Предчувствуя страшное, он с воплем отчаяния устремляется в дом, крича: «Gilda, Gilda!» («Джильда, Джильда!»). Действие завершается в тот момент, когда Риголетто с ужасом и дрожью вспоминает отцовское проклятие старого Монтероне — La meledizione.

Зал во дворце. Герцог взволнован. Накануне он вернулся в дом Джильды, но не нашел ее там. Теперь он клянется найти похитителей и отомстить им. Он поет о своей возлюбленной Джильде. Его ария («Parmi veder le lacrime» — «Вижу голубку милую») столь выразительна, что почти не оставляет сомнений в искренности его любви. И когда придворные сообщают ему — в юмористическом насмешливом хоре, — как они похитили любовницу Риголетто (они все еще не знают, что Джильда его дочь) и принесли ее в его дворец, он, переполненный радости, спешит к ней, чтобы увидеть ее. Происходит одна из самых волнующих и драматических сцен, когда-либо написанных Верди. Входит Риголетто, он в отчаянии, напевает, как и должен делать придворный шут, песенку «La-ra, la-ra, la-ra, la-ra» («Ла-ра. «), но на сей раз его веселая песенка полна тревоги и боли. Он повсюду ищет свою дочь, и когда на мгновение появляется паж с сообщением для герцога, то по его словам Риголетто догадывается, что его дочь здесь, в замке у герцога. В негодовании и отчаянии бросается он на присутствующих, крича: «Cortigiani, vil razza» («Куртизаны, исчадье порока»). Он пытается пробиться сквозь них к двери; рыдая, он падает на пол; он жалобно молит их — но, увы, все тщетно. Только когда появляется дочь и бросается к нему в объятия, придворные стыдливо удаляются. Полный слез дуэт отца и дочери прерывается, когда мимо проходит Монтероне, которого гвардейцы ведут на казнь. Риголетто клянется, что отомстит герцогу. Действие завершается решительным и суровым повторением клятвы Риголетто («Si, vendetta, tremenda vendetta» — «Да, настал час ужасного мщенья»), Джильда же, его дочь, молит его о прощении ее возлюбленного.

Ночью у заброшенного постоялого двора на берегу реки стоит Риголетто, все повторяющий свои проклятья герцогу, тем временем Джильда по-прежнему умоляет его простить герцога. Притон, около которого они оказались, принадлежит Спарафучиле, бандиту, и в гостях у него в эту ночь не кто иной, как герцог, на сей раз переодевшийся офицером. Он поет самую популярную мелодию из этой оперы — песенку «La donne e mobile» («Сердце красавицы. «), затем он объясняется в любви Маддалене, хорошенькой сестре Спарафучиле. Начинается великолепный квартет: в хижине герцог расточает любовные признания Маддалене, на которые та кокетливо и насмешливо отвечает; в то же самое время Джильда, подсматривающая за ними снаружи, приходит в отчаяние из-за открывшегося ей обмана ее возлюбленного; Риголетто старается утешить ее.

Далее события развиваются стремительно. Риголетто отсылает Джильду переодеться, чтобы ехать в Верону, город, где ни ее, ни Риголетто никто не знает и где они начнут новую жизнь. У него самого пока на эту ночь свои планы. За двадцать скудо он нанимает Спарафучиле, чтобы тот убил герцога. Договорившись с ним об этом, Риголетто удаляется. Герцог засыпает. Теперь Маддалена уговаривает своего брата пощадить приглянувшегося ей молодого человека и подменить тело, убив какого-нибудь постороннего, кто зайдет к ним этой ночью («Somigla un Apollo quel giovine» — «Наш гость, и красивый, и ласковый»). Разражается буря. Джильда, переодевшаяся в мужское платье, вернулась сюда и стала свидетельницей разговора Спарафучиле и Маддалены. Она стучится в дверь их таверны. Джильда решила пожертвовать собой, только бы спасти своего неверного возлюбленного. Спарафучиле оглушает ее и засовывает в мешок. Вернувшийся Риголетто, получив тяжелый мешок и уверенный, что в нем тело герцога, злорадствует над своей жертвой. Но недолго длится его радость. Из дома доносится знакомый голос герцога, снова напевающего — на сей раз это звучит особенно иронично — песенку «Сердце красавицы. » В ужасе Риголетто разрывает мешок и находит в нем свою дочь. Джильда прощается, издавая свой последний вздох; он же молит ее не умирать. И когда она умолкает навсегда, — он грозит кулаком небесам и восклицает еще раз «Ah! La maledizione!» («Ах! Вот где старца проклятье!»). Проклятие свершилось.

Успех венецианской премьеры (после многочисленных изнурительных репетиций) был полным, и последующие представления (двадцать одно) его подтвердили. Более настороженными были оценки критики, скорее недоумевавшей по поводу тех «новшеств», которые теперь нам кажется легче всего признать и оценить. Шедевр Верди начал триумфальное шествие по театрам Италии и других стран (за исключением, до 1857 года, Франции из-за протеста Гюго, автора литературного источника оперы, драмы «Король забавляется»).

Характеры и обстановка, как известно, предстали на сцене во всей их жизненной силе. Герцог Мантуанский — образ блистательный, удивительный, производящий впечатление цельности при всей антипатии, которую вызывают его нравы. О нём следует судить, когда он находится в центре своего двора, с изображением которого Верди быстро освоился, сузив его размеры по сравнению с двором французского короля Франциска I (действующего лица драмы Гюго); выведение короля на сцену венецианская цензура не одобрила, как не одобрила она горб Риголетто и мешок, в который кладут умирающую Джильду,— эти детали остались без изменения благодаря твёрдой воле Верди. Консервативная цензура выступила с нападками на оперу и вне Венеции, всячески третируя опасный сюжет. Между тем перенос действия из Франции в Мантую и замена великолепного французского дворца мантуанским оказались весьма на руку драматической манере Верди этих лет: в более камерной обстановке герои снижены и вдвинуты в тесные рамки, почти невозможные, судя по их «статуарности», но при этом они приближены к зрителям (и в дальнейшем, даже предпочитая более обширное пространство, Верди будет использовать приём подобных ограничений для непосредственного воздействия на зрителей).

Мантуанский двор очень хорошо изображён уже в первом действии, настоящем исходном пункте всех линий сюжета, развивающихся и пересекающихся впоследствии. Тщеславие придворных усугубляется их развязной грубостью, которую герцог — Дон Жуан с большим правдоподобием пытается компенсировать склонностью к нежной любви, совершенно чуждой настоящему Дон-Жуану, герою Моцарта. Именно такая любовь влечёт его к Джильде, дикой голубице, и вносит во все галантные клише нежно-патетическое и чрезмерно страстное чувство. Даже в его восхвалении сестры Спарафучиле есть возвышенная чистота, что как будто противоречит натуре этого циничного волокиты. Когда без его ведома похищают Джильду, волнение юного герцога тоже искренне, хотя исполнители этой роли его обычно преувеличивают, и хотя с такой же непритворной лёгкостью (так кажется) он поспешит овладеть девушкой, а затем беспечно перенесёт своё внимание на другие предметы. Придворных Верди объединяет общностью образа мыслей наподобие того, как это было в комических операх Моцарта и Россини. На всех них падает проклятье настоящего аристократа, Монтероне: это сигнал к раскрытию судьбы Риголетто, уже давно навеки проклятого, образа почти вневременного.

Джильда как дочь своего отца-парии должна была бы или достичь неожиданного, огромного счастья, которое бы совершенно отделило её от семьи, или пойти другим путём, столь же предрешённым и последовательным, путём самопожертвования.

Какое-то время будущее её полно чудесной неопределённости (это передают вокализы и чистые, гибкие, высокие ноты арии «Сердце радости полно»). Затем всё идёт, как мы уже знаем. Джильда слишком бесплотна, чтобы быть счастливой. Это декоративный образ раннего романтизма, ещё несущий печать XVIII века, и безумие современных людей, от которых она так далека, может только лишить её девственной чистоты.

Все нити действия сходятся в третьем акте в классической форме квартета, верного эстетическим канонам раннего романтизма, ещё соблюдающего классические формы. Центром является основная мелодия тенора, который выделяется как подлинная мишень Риголетто, бормочущего в темноте. Обе женщины остаются, напротив, во власти очарования герцога: Маддалена щебечет, Джильда подхватывает её мотив (и как бы сближает с порывами и трепетами тенора), не в силах оторваться от него, хотя её сдерживает и прерывает отец. Из сочетания драматической ситуации и выбранной музыкальной техники, почти инструментальной, рождается редкостный по силе театральный, визуально-сценический эффект. Классически строгая конструкция, в которой контрасты дополняют друг друга, неожиданно рушится под натиском бури, настоящего шабаша; сквозь бурю доносятся жалобы несчастных героев и равнодушный смех убийцы, Спарафучиле. Этот персонаж в целом производит юмористическое впечатление, то ли потому, что его злодейский нрав не чужд проблеска сочувствия, то ли потому, что бедный горбун думает найти в этом висельнике товарища. Их встреча происходит ночью в переулке, в тёмной глубине сознания. Пробуждение принесёт ужас, жестокий свет разочарования. Дочь становится жертвой «правой мести» Риголетто, правой, по мнению несчастного, тщетно восставшего против несправедливой судьбы и тем самым призвавшего новое наказание «страшного бога». Безжалостная ирония судьбы. Даже спасение герцога вызывает сочувствие публики, и кажется, что только в глазах Риголетто он выглядит негодяем. Вина ложится на тех, кто пожил. Им в качестве утешения остаются слёзы, каких, быть может, никогда не проливали в музыкальной драме.

В основу сюжета оперы положена драма В. Гюго «Король забавляется», написанная в 1832 году. После первого представления в Париже, вызвавшего политическую манифестацию, она была запрещена как подрывающая авторитет королевской власти. Гюго подал в суд, обвинив правительство в произволе и восстановлении цензуры, уничтоженной революцией 1830 года. Судебный процесс получил широкий общественный резонанс, но запрет снят не был — второе представление пьесы «Король забавляется» состоялось во Франции лишь полвека спустя. Драматургия Гюго привлекла Верди яркими романтическими контрастами, бурным столкновением страстей, свободолюбивым пафосом, напряженным, динамичным развитием действия. Сюжет «Риголетто» Верди считал лучшим из всех, положенных им на музыку: «Здесь есть сильные ситуации, разнообразие, блеск, пафос. Все события обусловлены легкомысленным и пустым характером герцога; страхи Риголетто, страсть Джильды и пр. создают замечательные драматические эпизоды». Композитор по-своему трактовал образы Гюго, что вызвало протест со стороны писателя. В исторической драме с большими массовыми сценами и многочисленными подробностями жизни и быта двора Франциска I (1515—1547). Верди прежде всего очень заинтересовала психологическая драма.

Текст Гюго подвергся сокращению. Сюжет приобрел более камерное звучание; акцент был перенесен на показ личных взаимоотношений героев в психологически острых ситуациях. Некоторые сокращения были вызваны не только специфическими особенностями оперного жанра и индивидуальным замыслом композитора, но и опасениями цензурного запрета. Однако избежать столкновения с цензурой Верди не удалось. В начале 1850 года он разработал подробный план оперы, носившей название «Проклятье», и поручил написать текст Ф. Пиаве (1810—1876) — опытному либреттисту, который сотрудничал с Верди на протяжении многих лет. Часть музыки была уже написана, когда цензура потребовала коренной переработки либретто. Композитору предложили убрать исторический персонаж — короля, заменить безобразного главного героя (шута Трибуле) традиционным оперным красавцем и т. д. Верди решительно отверг требования цензуры, однако действие оперы долго переносили из страны в страну, изменяли заглавие, пока, наконец, Франциск I не превратился в герцога Мантуанского, Трибуле — в Риголетто, а опера получила более нейтральное название по новому имени шута.

Партитура «Риголетто» была закончена чрезвычайно быстро — в сорок дней. Премьера состоялась 11 марта 1851 года в Венеции. Опера была принята восторженно и быстро распространилась по всем европейским сценам, принеся Верди широчайшую популярность.

«Риголетто» — одно из наиболее известных произведений Верди. Действие оперы строится на резких драматических контрастах. В центре ее острая психологическая драма, многосторонне очерчивающая образ Риголетто — язвительного придворного шута, нежного, глубоко страдающего отца, грозного мстителя. Ему противостоит легкомысленный и развращенный герцог, обрисованный на фоне придворной жизни. Душевная чистота, беззаветная преданность олицетворены в образе юной Джильды.

Эти контрастные характеры выпукло, с замечательным богатством психологических оттенков воплощены в музыке оперы.

В оркестровом вступлении звучит трагическая мелодия проклятья, которая имеет в опере важное значение; она сменяется беззаботной музыкой бала, открывающей первый акт. На фоне танцев и хоров танцевального склада звучит блестящая жизнерадостная баллада герцога «Та иль эта — я не разбираю». Напряженный драматизм вносит проклятье Монтероне «Вновь оскорбленье»; патетическая вокальная мелодия поддерживается грозным нарастанием оркестровой звучности.

Во втором акте* сцена со Спарафучиле и эпизод похищения своей зловещей окраской оттеняют светлые эпизоды, связанные с образом Джильды. Небольшой дуэт Риголетто и Спарафучиле предваряется мотивом проклятья. В монологе Риголетто «С ним мы равны» раскрывается широкий диапазон переживаний героя: проклятье судьбе, насмешки над герцогом, ненависть к придворным, нежная любовь к дочери. Дуэт Риголетто и Джильды пленяет лирически теплыми напевными мелодиями. Дуэт Джильды и герцога начинается в мечтательных тонах; красивая мелодия признания герцога «Верь мне, любовь — это солнце и розы» согрета искренним чувством. Колоратурная ария Джильды «Сердце радости полно» воплощает образ счастливой любящей девушки. Ее светлому, безмятежному настроению противопоставлен тревожный колорит сцены похищения, в центре которой — таинственный, приглушенный хор придворных «Тише, тише».

Третий акт начинается арией герцога «Вижу голубку милую»; певучая мелодия передает нежное, восторженное чувство. За арией следует хвастливый хор придворных. В большой драматичной сцене переданы душевные муки Риголетто; взоры гнева («Куртизаны, исчадье порока») сменяются страстной мольбой («О синьоры, сжальтесь вы надо мною»). Дуэту Риголетто и Джильды предшествует бесхитростный рассказ Джильды «В храм я вошла смиренно»; затем голоса героев объединяются в просветленной и скорбной мелодии. Мрачным контрастом звучит проклятье Монтероне. Ему отвечают полные решимости фразы Риголетто «Да, настал час ужасного мщенья».

В четвертом акте важное место занимает характеристика герцога — популярнейшая песенка «Сердце красавицы». В музыке квартета с замечательным совершенством воплощены противоречивые чувства: любовное признание герцога, задорные, насмешливые ответы Маддалены, скорбные вздохи Джильды, мрачные реплики Риголетто. Следующая сцена, сопровождаемая хором за кулисами, поющим с закрытым ртом, проходит на фоне грозы, которая подчеркивает душевное смятенье Джильды; драматизм достигает апогея в тот момент, когда доносится беззаботная песенка герцога. Заключительный дуэт Риголетто и Джильды «Там, в небесах»** перекликается с их дуэтом второго акта; в конце оперы вновь грозно звучит мотив проклятья.

* У Верди — вторая картина первого акта.
** Нередко в постановках выпускается.

«Риголетто» (1851, по пьесе Гюго «Король забавляется») представляет собой музыкальную драму остро конфликтного содержания, полную ярких контрастов и резких антитез. Верди высоко оценивал художественные достоинства либретто, считал его одним из лучших в своих операх, отмечал в нем «сильные ситуации», «разнообразие, блеск, пафос». Действительно, сюжет в «Риголетто» развертывается органично и стремительно, обнажая противоречия в социальном положении героев, в их моральном облике и психике. Верди особо подчеркивал действенную роль отрицательных сил: все события, обостряющие столкновение интересов и драматизм положений, вызываются распутными похождениями безнравственного герцога и продажностью придворных.

В центре оперы — трагический образ уродливого, исковерканного жизнью шута (Любитель резких контрастов, Гюго облекал высокое человеческое достоинство в уродливую внешнюю форму (вспомним наряду с шутом Трибуле, литературным прототипом Риголетто, Квазимодо!), а душевному уродству, моральному ничтожеству придавал обличье обманчивой, блестящей, но пустой красоты (таков Феб де Шатопер или прообраз герцога в пьесе Гюго — король Франциск I).). Он обладает незаурядным умом, но играет унизительную роль при дворе. Это человек больших страстей, ненавидящий и презирающий знать. Другая, глубоко человечная сторона характера Риголетто раскрывается в его отношении к дочери Джильде. В этом непорочном образе воплощен светлый полюс драмы — чистота Джильды резко противопоставлена моральной низости светской черни. Судьба карает шута за издевку над отцовским горем Монтероне. Замыслив жестокую месть герцогу, опорочившему честь его дочери, Риголетто становится невольным убийцей Джильды. Так в мире коварства и насилия бессмысленное зло торжествует победу.

В музыке Верди замечательно переданы жизненные контрасты. Каждая картина изобилует острыми сопоставлениями. Блеску, стремительному движению бала, которым открывается опера, противостоит драматизм проклятия Монтероне (Верди часто давал картины балов в моменты завязки или развязки действия: на фоне шумной сумятицы жизни резче выделялась личная судьба героев оперы, и на основе единого танцевального движения разворачивались различные сценические эпизоды. Таковы два бала в «Травиате», соответствующие экспозиции и кульминации драмы; на балу происходит развязка действия — гибель главного героя в операх «Эрнани» и «Бал-маскарад»; важную драматургическую функцию выполняют сцены балов в «Макбете», «Сицилийской вечерне» и т. д.). В начале 2-й картины создан иной колорит — в мрачно-таинственных тонах выдержана беседа Риголетто с Спарафучиле и, как неотвязное воспоминание, звучит лейтмотив проклятья; но внезапным светом озаряется музыка, характеризующая встречу несчастного шута с дочерью. Столь же контрастны начальные эпизоды II акта, где соседствуют элегичная ария Герцога с легкомысленным маршем придворных и полным трагического величия монологом Риголетто. С огромной силой выражения переданы эти жизненные антитезы в последнем акте: драма чувств Джильды и Риголетто, разыгравшаяся гроза резко оттеняется беспечной песней Герцога (она трижды проводится на протяжении акта, неизменно в H-dur). Контрасты возникают не только внутри картин, но и между ними. Особенно разителен такой контраст между началом оперы с балладой Герцога, которая неразрывно связана с общей атмосферой придворного бала, и финалом, где песня, близкая по духу балладе, противостоит трагической развязке на фоне зловещей, бурной ночи (Аналогично решен контраст двух балов в «Травиате»; на фоне праздничного веселья возникают радостные чувства любви Виолетты и Альфреда, тогда как карнавальные сцены финала II акта рельефно оттеняют драматизм ссоры: в первом случае герои сливались с окружающей их жизненной обстановкой, во втором они противостоят ей.).

Тремя основными интонационными сферами обрисованы движущие силы драмы.

Герцог охарактеризован типичным складом итальянских канцонетт — изящных и непринужденных песенок:

Им свойственны легкость, подвижность, острота ритма. Этими напевами обрисован обаятельный внешний облик Герцога. Он не наделен, однако, глубиной переживаний и мыслей — так, не прибегая к приемам сатирического заострения, Верди обличает пустоту духовного мира великосветского повесы.

Теми же средствами обличаются внешний блеск и духовная нищета придворных, окружающих Герцога. И здесь Верди прибегает к жанрам бытовой музыки — танца (ригодон, менуэт в 4-й картине), марша (марш As-dur, хор «Тише, тише» во 2-й картине I акта и марш A-dur II акта). Это и по методу драматургии, и по свое му интонациинному складу близкая к Герцогу сфера. Так же, как в его характеристике, в данной преобладают легкость, подвижность и ритмическая острота.

Правдиво, с большим художественным совершенством передана психологическая сложность образа Риголетто, в душе которого сплелись противоречивые чувства. Трагические черты его характера выражены многосторонне, особенно в связи с лейтмотивом проклятья, которым — в патетическом c-moll — открывается краткое (всего 34 такта!) оркестровое вступление к опере:

В основе мелодии — судорожный, дважды пунктирный ритм, а в гармонии — альтерированный септаккорд. Это одновременно и лейтмотив, и лейтгармония оперы — они неоднократно проводятся в моменты напряжения драматизма. На развитии этих выразительных средств строится первая часть монолога Риголетто «Куртизаны, исчадье порока» (кстати, также в c-moll), его повелительное обращение к придворным в том же акте — «Прочь все теперь идите», некоторые эпизоды финала и т. д.

Но в первой половине оперы это искаженное страданием лицо выступает в обличье шута. Тонкими оркестровыми штрихами Верди привлекает внимание к внешним сторонам образа — к нарочитой походке, насмешливым «ужимкам» Риголетто:

Наконец, особыми средствами обрисованы чувства отцовской любви. Их музыкальное выражение покоряет человечностью, большой теплотой, сдержанностью:

Индивидуальную окраску имеет характеристика Джильды. В» 2-й картине I акта, особенно в арии Джильды, проступают черты, которыми Верди обычно наделяет образы девичества, женского обаяния (ср. начальные экспозиции образов Леоноры в «Трубадуре», Виолетты в «Травиате»). Это музыка беспечно шаловливая, игриво беззаботная, что подчеркивается легкой подвижностью мелодики, прихотливой ритмикой, использованием виртуозных пассажей. Во II акте Джильда предстает уже иной. Ее бесхитростный рассказ о встрече с Герцогом близок народной мелодике:

Партия Джильды изобилует драматическими моментами. Как и у Риголетто, декламационное начало внедряется в песенное, преобразует его. Показательны в этом отношении интонации широкого вздоха, порой стона, которыми по мере развития драмы все более насыщается вокальная партия Джильды (впервые такие «вздохи» прозвучали в оркестровом вступлении к опере):

Рассмотренные сферы объединены в квартете последнего акта — этой высшей точке развития драмы. Герцог, Джильда, Маддалена и Риголетто оказались связанными одной судьбой. Роковая связанность подчеркивается неразрывным движением музыки; участники драмы подхватывают отдельные реплики, дополняют их. Но вместе с тем их партии индивидуализированы: песенные фразы Герцога и кокетливая подвижность мелодии Маддалены сочетаются с широкой, эмоционально насыщенной напевностью драматических высказываний Джильды и Риголетто. Четкость композиции помогает выявлению смысла происходящих событий: в квартете две части, в каждой по три строфы: вторая часть значительно динамизирована по сравнению с первой, и если вначале главенствовала мелодическая характеристика Герцога, то под конец преобладают взволнованные фразы Джильды, «поддержанные» партией оркестра:

Опера «Риголетто» — важнейший этап в утверждении новых принципов в творчестве Верди. Многими нитями она связана с его позднейшими произведениями. Особенно важными являются методы разработки сквозного музыкально-драматургического развития, способствующие преодолению расчлененности так называемой «номерной структуры», но в то же время не нарушающие архитектонической завершенности центральных эпизодов действия.

Верди уделяет особое внимание драматизации форм арии путем внедрения в нее речитативных моментов. Он стремится к органическому слиянию элементов декламационности и песенности. Одно из замечательнейших достижений в этом направлении — монолог Риголетто, по своему формальному строению представляющий двухчастную арию (правда, с необычным сопоставлением характеров движения — сначала более быстрого, потом медленного), но дающий неразрывное, «сквозное» выражение полярных чувств гнева и мольбы.

В опере сильно возросло значение диалогических сцен, в которых драматически напряженная беседа заменила стереотипные в прежней итальянской практике дуэты, где партии участников не были индивидуализированы, а мелодии исполнялись в терцию или сексту. Центральное место здесь занимают две широко развернутые диалогические сцены Риголетто и Джильды — во 2-й картине I акта и во II акте. Эти две встречи различны по содержанию: первая говорит о радости, вторая — о горе, страдании.

Возросла и драматургическая функция оркестра, активно вмешивающегося в сценическое действие, не ограничивающегося только ролью аккордовой поддержки голоса. Так, буря в финале яв ляется не просто эффектной изобразительной картиной, но дополняет и развивает драму чувств героев оперы.

Более осмысленным и драматургически целеустремленным стал также тональный план оперы. Важное образно-смысловое значение имеет в «Риголетто» тональность Des-dur: ею заканчивается как 1-я картина, так и финал, но под конец эта тональность в связи с «помрачнением» общего колорита заменяется одноименным минором. В Des-dur выдержаны также вторые части монолога Риголетто и его дуэта с Джильдой и квартет (Верди часто обращался к тональностям Des-dur и des-moll при выражении кульминационных моментов личной драмы, придавая этим тональностям определенное образно-смысловое значение. Так, «Травиата», подобно «Риголетто», заканчивается des-moll; в «Бале-маскараде» развязка драмы — «смертный дуэт», во время которого происходит убийство Ричарда, — идет в Des-dur (окончание оперы — b-moll); в «Аиде» «смертный дуэт» сначала идет также в Des-dur (конец оперы — Ges-dur); в «Трубадуре» центральные драматургические моменты связаны тональностями Des-dur, as-moll, es-moll и т. д.).

В тональной сфере Des-dur находятся и As-dur (интродукция, эпизоды дуэта Риголетто с Джильдой во 2-й картине I акта, там же — марш придворных, клятва мести, которой завершается II акт) и Es-dur (менуэт в интродукции, эпизоды упомянутого дуэта, хор «Тише, тише»). Отсюда и обоснованные гармонической логикой концы актов — первого в es-moll, а второго — As-dur. Верди будет столь же планомерно и осмысленно осуществлять ладотональное развитие в своих последующих операх.

Высокие идейно-художественные достоинства «Риголетто» вызвали особые трудности при постановке оперы. Ее сценическая судьба примечательна для тех мытарств, которые испытывали произведения Верди. Когда большая часть музыки была написана,, полицейские власти наложили запрет на этот тираноборческий сюжет (Постановка литературного первоисточника — пьесы Гюго «Король забавляется» также была запрещена (в 1832 году в Париже состоялся всего один спектакль). Верди был вынужден перенести место действия из Франции в Италию и изменить имена действующих лиц.). С большим трудом, при помощи друзей и своих многочисленных почитателей, Верди добился постановки оперы. Она шла на сценах Италии под различными наименованиями, нередко с произвольным изменением места и обстановки действия (Опера порой именовалась «Проклятие», «Шут», «Клара из Перта», «Лионелло». В одной из постановок место действия было перенесено в Бостон (!), а герцог Мантуанский превращен в английского наместника.). Успех «Риголетто» как на родине, так вскоре и за рубежом был очень велик.

www.belcanto.ru